Eventi 2023

Un evento speciale all’interno delle sale del Centro Pecci, che avrà come protagonista il musicista e compositore inglese Gavin Bryars. Bryars (Goole, 1943), che oltre a essere uno degli esponenti più importanti della musica di ricerca emersa tra gli anni Sessanta e Settanta, è anche autore della partitura polifonica che dà vita all’imponente installazione sonora fulcro di Hagoromo, la mostra personale di Massimo Bartolini al Centro Pecci.
Agganciandosi alla struttura adibita a ospitare il sistema di illuminazione, Bartolini ha costruito una parete continua di tubi innocenti che si snoda attraverso sette delle dieci stanze del nucleo originale dello spazio espositivo pratese, trasformandola in uno strumento musicale in cui i tubi diventano, attraverso apposite modifiche, delle canne d’organo.

L’evento prevede due concerti, uno alle 19.00 e uno alle 21.00 con delle variazioni di repertorio.

Gavin Bryars è stato inizialmente un bassista jazz e pioniere della libera improvvisazione con Derek Bailey e Tony Oxley. I primi brani iconici “The Sinking of the Titanic” e “Jesus’ Blood Never Failed Me Yet” hanno ottenuto un grande successo popolare. I suoi lavori comprendono cinque opere, venti balletti, un ampio corpus di musica da camera, diversi concerti e molta musica corale e vocale.
Ha lavorato anche con interpreti non classici e ha goduto di molte collaborazioni con artisti visivi.
collaborazioni con artisti visivi. Il cuore del suo lavoro è il suo ensemble, che esiste da quasi quarant’anni e che, negli ultimi dieci anni, ha incluso i suoi quattro figli.
Recentemente ha iniziato a lavorare con loro anche in formazioni più piccole: in duo con la figlia Alexandra come pianista, e con il figlio Yuri e Percussions Claviers de Lyon.
Per questa performance speciale, che avviene due giorni prima del suo compleanno, Gavin Bryars suonerà con i suoi figli interagendo con l’installazione di Massimo Bartolini che è parte della mostra presso il museo. In entrambi i concerti il trio si esibisce dal vivo con l’installazione della galleria “In là”. La registrazione della musica dell’installazione si muove lentamente, la prima volta, attraverso le stanze dalla 7 alla 1 e poi di nuovo alla 7; e, in un secondo momento, dalla sala 1 alla 7 e di nuovo alla 1. Come un’installazione dell’installazione, il meccanismo si riposa periodicamente e nell’intervallo tra i due passaggi di “In là”, il trio esegue un brano a sé stante – nel primo concerto sarà un nuovo lavoro basato sulla quarta “Gnossienne” di Erik Satie; e nel secondo concerto sarà una nuova versione riveduta di “My First Homage”. Il pezzo finale di ogni concerto, dopo la seconda versione di “In là”, è “Jesus’ Blood Never Failed Met Yet”, in una speciale versione multitastiera creata per l’occasione.

Primo concerto (ore 19:00)

In Là (rooms 7-1-7) 16’
Gnossienne no. 4, after Satie (c.8’)
In Là (rooms 1-7-1) 17’
Jesus’ Blood Never Failed Me Yet (c.17’)

Secondo concerto (ore 21:00)

In Là (rooms 7-1-7) 16’
My First Homage c.12’)
In Là (rooms 1-7-1) 17’
Jesus’ Blood Never Failed Me Yet (c.17’)

Uno dei pianisti più importanti della scena nazionale come Danilo Rea e uno dei più raffinati compositori e abili virtuosi di serpentone e tuba, Michel Godard si incontrano sul terreno comune dell’amore per la musica del grande compositore lucchese Giacomo Puccini. Lontani dai manierismi di molti progetti di rilettura in chiave jazz di repertori operistici, Rea e Godard esplorano Puccini non solo attraverso l’improvvisazione sul canovaccio di arie note e meno note, ma anche ritrovando l’eredità del suo travolgente lirismo in alcune selezionate composizioni originali. Il risultato è una musica universale, senza tempo e oltre i generi, che riesce a toccare corde intime e profonde in chi la ascolta. Un incontro tra Maestri.

Danilo Rea nasce a Vicenza il 9 Agosto 1957, ma si trasferirà poco dopo a Roma con tutta lafamiglia. La sua storia in musica nasce proprio là, a Roma, tra le pareti di casa sua, dove l’incanto per i vecchi vinili di Modugno è più forte, già da piccolissimo, di qualsiasi divertimento: il vero gioco è suonare il piano, il vero incanto è la musica, il vero sogno è la melodia, il vero abbandono è nell’armonia. E la passione diventa studio al Conservatorio di Santa Cecilia, dove si diploma in pianoforte con il massimo dei voti e dove insegna nella cattedra di jazz fino al 2017. Studi classici, rock e pop influenzano la sua formazione e convergono attraverso il jazz, la sua vera passione, in uno stile inconfondibile e unico composto di due ingredienti fondamentali: melodia e improvvisazione.

Michel Godard è uno dei pochissimi solisti di tuba e probabilmente l’unico solista di serpentone che imbraccia per la prima volta nel 1979. Questo strumento, che nasce come il basso della famiglia dei cornetti, non aveva mai goduto di un repertorio solistico. Godard, sviluppando su questo strumento dimenticato il suo enorme talento tecnico, vi esegue un repertorio che va dalla musica del XVI secolo al jazz ed alla musica improvvisata.
Come solista di musica classica, ha suonato e registrato con l’ ‘Orchestre Philharmonique de Radio France, con l’Orchestre National de France, con l’ensemble Musique Vivante, con l’Ensemble La Fenice di Parigi, con XVIII-21 Musique des lumières, con l’Ensemble Jacques Moderne.
Nell’ambito del jazz, ha suonato, con Rabih Abou-Khalil, Christof Lauer, Luciano Biondini, Linda Bsiri, Michel Portal, Louis Sclavis, Henry Texier, Enrico Rava, Michael Riessler, Kenny Wheeler, Ray Anderson, Sylvie Courvoisier, Klaus König, Simon Nabatov, Wolfgang Puschnig, Linda Sharrock, Misha Mengelberg, Maria Pia De Vito, Willem Breuker, Herbert Joos, Dave Bargeron, Steve Swallow, Roberto Martinelli.

– Biglietto intero € 23
– Biglietto Ridotto € 18,50 con codice coupon per Studenti, Musicisti residenti in provincia di Sondrio, Musicisti MIDJ, gruppi minimo 10 persone. Il codice Coupon va richiesto alla mail: ambriajazzfestival@gmail.com
– Ridotto under 16 € 5

FONTEROSSA OPEN LAB 2023 
Special guest ARVEEAYL RA
Laboratorio orchestrale d’improvvisazione ed esecuzione di partiture non convenzionali.

Laboratorio gratuito a numero chiuso
SCADENZA ISCRIZIONI 31 GENNAIO 2023

SCARICA LA SCHEDA DI ADESIONE
da inviare a: s.bolognesi@yahoo.it

Dopo sei edizioni di successo interrotte solo dalla pandemia, torna il laboratorio orchestrale d’improvvisazione ed esecuzione di partiture non convenzionali ideato e diretto da Silvia Bolognesi, da quest’anno in collaborazione con il centro di produzione musicale Toscana Produzione Musica.

IL LABORATORIO
L’intento del laboratorio è quello di formare e preparare i musicisti partecipanti alla produzione originale che debutterà in occasione del Fonterossa Day #7. Secondo la linea artistica della Fonterossa Records le composizioni, scritte da alcuni musicisti collaboratori dell’etichetta per l’occasione, saranno basate su principi di scrittura non convenzionale ed improvvisazione radicale. La musica potrà essere scritta secondo parametri tradizionali ma anche con metodi non convenzionali, utilizzando gesti, grafici, momenti d’improvvisazione libera ed altro. L’approccio alle composizioni così scritte sarà insegnato durante il laboratorio, così come l’approccio all’improvvisazione intesa in modo più tradizionale. Gli incontri del mattino saranno lezioni che si svilupperanno partendo da principi d’improvvisazione tradizionale (principi di armonia tonale e modale, approccio alle forme metrico-armoniche), attraverso l’utilizzo dei parametri musicali (ritmo, melodia, armonia, timbro) fino allo studio delle tecniche previste nelle composizioni scritte per l’occasione.

QUANDO SI SVOLGE
5 incontri domenicali a cadenza mensile, 6 ore ad incontro. Date dei laboratori:

05 Febbraio
19 Febbraio
19 Marzo
02 Aprile
15 Aprile

Orario: dalle 10:00 alle 13:30 e dalle 15:00 alle 18:00 ( 30 ore totali).
I laboratori si terranno presso l’ Exwide di Pisa

CHI INSEGNA

Silvia Bolognesi
Contrabbassista, compositrice e arrangiatrice. Diplomata in contrabbasso presso l’Istituto R.Franci di Siena con il Maestro Andrea Granai, perfezionandosi con il Maestro Alberto Bocini. Si avvicina al jazz studiando ai corsi di Siena Jazz con Paolino dalla Porta, Furio di Castri e Ferruccio Spinetti.
Gli incontri più significativi nella sua formazione musicale sono quelli con William Parker, Muhal Richard Abrams, Lawrence “Butch” Morris, Roscoe Mitchell e Anthony Braxton. Vincitrice del “Top Jazz 2010”, organizzato dalla rivista Musica Jazz, come miglior nuovo talento del jazz italiano, e nello stesso anno del trofeo “In Sound” per la categoria contrabbassisti. Leader di molte band: Open Combo, Almond Tree , Xilo Ensemble, Ju-Ju Sounds, Fonterossa Open Orchestra, Young Shouts e Sly Family. Fa parte del trio d’archi Hear In Now con Tomeka Reid al violoncello e Mazz Swift al violino e voce; con questa formazione completano il Roscoe Mitchell sextet e l’Art Ensemble of Chicago 50th Anniversary. Dal 2010 dà vita alla propria etichetta discografica Fonterossa Records, da cui il minifestival (dal 2015) ospitato da Pisa Jazz, “Fonterossa Day” di cui è direttrice artistica.

Roberto Ottaviano
Passato per esperienze formative altamente qualificanti (studi con Giacomo Manzoni, Luigi Nono, Evan Parker, Jimmy Giuffre e George Russell tra gli altri), ha mosso i primi passi in contesti altrettanto stimolanti, come l’orchestra di Andrea Centazzo. Il suo primo album da leader (Aspects, 1983) rende bene l’idea della sua collocazione nella scena italiana: alla sua realizzazione parteciparono Giancarlo Schiaffini, Paolo Fresu e Carlo Actis Dato. Impressionante è anche l’elenco delle sue collaborazioni internazionali: Dizzy Gillespie, Art Farmer, Mal Waldron, Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Keith Tippett, Steve Swallow, Kenny Wheeler, Henri Texier, Paul Bley, Aldo Romano, Tony Oxley, Misha Mengelberg, Han Bennink, Trilok Gurtu…

Marta Raviglia
Cantante, compositrice, performer. La sua ricerca si muove a cavallo tra il jazz e la musica contemporanea, tra la forma canzone e l’improvvisazione più ardita. Ha collaborato come solista con l’Orchestra Jazz della Sardegna, la Big Band della Radio Nazionale Bulgara, il Coro del Friuli Venezia Giulia, la Corale Polifonica Santa Cecilia di Sassari, l’Orchestra del Conservatorio «Bruno Maderna» di Cesena, l’Orchestra del Conservatorio di Musica «Francesco Morlacchi» di Perugia, l’ensemble di percussionisti Odwalla, il collettivo Franco Ferguson, il Barga Jazz Ensemble, la Perugia Big Band e con, tra gli altri, David Linx, Hamid Drake, Ingrid Jensen, Martin Wind, Matt Wilson, Paolo Fresu, Gabriele Mirabassi, Vincenzo Vasi e molti altri. Diplomata in musica jazz e laureata in lingue e letterature straniere, insegna canto jazz, improvvisazione e musica d’insieme presso il Conservatorio di Musica «Girolamo Frescobaldi» di Ferrara e presso Siena Jazz University. Tiene regolarmente seminari sull’improvvisazione e sul rapporto tra voce e movimento. È il referente di VoCon, piattaforma europea per insegnanti di canto jazz, pop e folk nell’ambito dell’alta formazione.

Eugenio Colombo
Un grande maestro del free jazz e della musica contemporanea. Sassofonista, flautista e compositore, Eugenio Colombo ha iniziato da autodidatta sia come strumentista che come compositore. Ha scritto diversi brani per strumento solista e per formazioni più grandi come: quartetto di sassofoni, trio d’archi, big band e banda d’ottoni con solisti improvvisatori. È uno dei membri fondatori dell’“Italian Instabile Orchestra”. Tra le sue numerose collaborazioni si annoverano quelle con Mario Schiano,Giorgio Gaslini,Giancarlo Schiaffini, Giovanna Marini, Anthony Braxton, Demetrio Stratos, Misha Mengelberg, Bruno Tommaso, Steve Lacy, Cecil Taylor e Martin Joseph.

Avreeayl Ra
Avreeayl Ra Amen è diventato una leggenda locale di Chicago nella ricca scena del jazz d’avanguardia nel corso di una carriera che dura da più di mezzo secolo. Membro di vecchia data dell’AACM di Chicago, ha effettuato tournée internazionali per decenni con rinomati ensemble guidati da Sun Ra e Ari Brown e con l’Art Ensemble of Chicago. Altri collaboratori illustri con cui ha suonato e registrato includono Fred Anderson, Amiri Baraka, Fontella Bass, Lester Bowie, Oscar Brown, Henry Butler, Henry Byrd (“Professor Longhair”), Hamid Drake, Malachi Favors, Donald Raphael Garrett , Charles Gayle, Henry Grimes, Billy Harper, Joseph Jarman, Edward “Kidd” Jordan, Nicole Mitchell, Pharoah Sanders, Malachi Thompson e molti altri.

A CHI E’ RIVOLTO
Il laboratorio è aperto a tutti gli strumenti inclusa la voce; ha un numero massimo limitato a 30 partecipanti, si richiede una minima conoscenza di lettura musicale e armonia.

I posti massimi per ogni singolo strumento sono limitati, il laboratorio è aperto fino a: 2 batterie – 2 bassi/contrabbassi – 2 violoncelli – 4 violini/viole – 2 chitarre elettriche – 1 pianoforte – 2 tastiere – 2 tromboni – 1 tuba – 4 trombe/flicorni/corni – 2 sax baritono – 3 o 4 sax tenore – 3 o 4 sax contralto – 2 sax soprano – 2 flauti – 2 clarinetti – 4 voci

INFO E ISCRIZIONI
Le iscrizioni rimarranno aperte fino al 31 Gennaio, se per alcuni strumenti ci fossero più’ domande dei posti disponibili sceglieremo in base alle informazioni della scheda di adesione.
SCARICA LA SCHEDA DI ADESIONE: https://bit.ly/fonterossa-lab-2023
Per iscriversi è necessario inviare la scheda di adesione compilata a: s.bolognesi@yahoo.it
COSTO E PAGAMENTO: grazie alla collaborazione con Toscana Produzione Musica, la partecipazione al laboratorio quest’anno è gratuita.

Toscana Produzione Musica e Fondazione Sipario Toscana 

presentano

THIS IS JAZZ!

Il grande Jazz a La Città del Teatro

Venerdì 17 MARZO ORE 21:15

Omar Sosa & Marialy Pacheco – “Manos”

Omar Sosa, piano

Marialy pacheco, piano

Posto unico numerato €20/18 inclusa prevendita – Circuito Ticketone

Abbonamento 3 concerti della rassegna THIS IS JAZZ! € 55 inclusa prevendita, disponibile solo presso la biglietteria del teatro

Quattro mani e quattro piedi in un pazzo e assurdo interplay tra forte e pianissimo, dita che sfarfallano sui tasti intrecciando melodie. È una musica che danza; d’altronde cos’altro ci si dovrebbe aspettare quando due straordinari pianisti cubani come Marialy Pacheco e Omar Sosa si incontrano? 

Lei è una delle più elettrizzanti musiciste della sua generazione, la prima donna che ha vinto al Piano Solo Competition del Montreux Jazz Festival e un’artista che affronta continuamente nuove sfide. Il suo tocco sensuale è una miscela unica di musica tradizionale cubana, ritmi afro-cubani e jazz contemporaneo. 

Lui è uno dei suoi idoli, un grande virtuoso che si muove senza sforzi tra ritmi e stili miscelando sapientemente latin jazz e spiritualismo africano, stile classico europeo e il suono dell’American west coast.

Nello stato brasiliano nord-orientale del Pernambuco si trova la città costiera di Recife, dove Amaro Freitas ha iniziato a forgiare il nuovo suono del jazz brasiliano. Un’area ricca di culture e tradizioni che hanno segnato profondamente il prodigioso giovane pianista, il cui approccio percussivo allo strumento è evidentemente debitore dei ritmi tradizionali nordestini, come il Maracatu afro-brasiliano, e della frenesia del frevo e del baião, quanto del suono dei suoi idoli giovanili come Thelonius Monk, Chick Corea e Gonzalo Rubalcaba. Una musica che è un’esplorazione stravolgente della tradizione ritmica e musicale brasiliana proiettata verso orizzonti di fulminanti e elettrizzanti sperimentazioni jazz.

Il suo album di debutto autoprodotto, Sangue Negro (2016), attraversava trasversalmente il minimalismo, il bebop, l’afrojazz, la samba e il frevo, e ha permesso ad Amaro di conquistare il suo paese d’origine, ma sono state le uscite di Rasif (2018) e Sankofa (2021) per la britannica Far Out Recordings a guadagnargli il plauso della critica internazionale, che ha lodato la complessità ritmico-armonica del suo trio e la sua maturità, nonostante la giovane età, nel saper conciliare gli elementi più disparati in un caleidoscopio espressivo del tutto personale. Una caratteristica, questa, che emerge ancor più nella dimensione del solo, che tende a liberarsi dalle forme esistenti per spaziare trasversalmente da reminiscenze dello stride jazz di Tatum all’impressionismo di Satie, dall’Africa ancestrale alle rarefazioni percussive del piano preparato di Cage.

Il suo ultimo album “Sankofa” – una ricerca spirituale nelle storie dimenticate, filosofie antiche e figure ispiratrici del Brasile nero – è il suo lavoro più straordinario e sincero fino ad oggi.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Toscana Produzione Musica e Fondazione Sipario Toscana 

presentano

THIS IS JAZZ!

Il grande Jazz a La Città del Teatro

Giovedì 13 APRILE ORE 21:15

Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu special guest

Jan Garbarek, sax
Rainer Brüninghaus, pianoforte
Yuri Daniel, basso
Trilok Gurtu, percussioni

Posto unico numerato €33/30 inclusa prevendita – Circuito Ticketone

Abbonamento 3 concerti della rassegna THIS IS JAZZ! € 55 inclusa prevendita, disponibile solo presso la biglietteria del teatro

Vera e propria leggenda del jazz a livello mondiale, Jan Garbarek da 50 anni detta lo stile nel jazz europeo. Innumerevoli musicisti sono stati influenzati dal suono di questo gigante del sassofono. 

È una delle bandiere della prestigiosa etichetta ECM, ha fatto parte del leggendario European quartetto di Keith Jarret. Alla soglia dei 76 anni si batte ancora per avere esperienze musicali nuove e sempre migliori, soprattutto dal vivo.

Ad accompagnarlo in questo concerto saranno il pianista e tastierista tedesco Rainer Brüninghaus, che è parte del gruppo da trent’anni, il bassista brasiliano Yuri Daniel e la speciale partecipazione del percussionista indiano Trilok Gurtu, già a fianco di stelle del firmamento jazz come Don Cherry, John McLaughlin, Ralph Towner, Pat Metheny, Larry Coryell, Joe Zawinul. Trilok Gurtu è stato inoltre una delle colonne portanti della band jazz-fusion Oregon, dall‘84 all’88.

Toscana produzione Musica e Pisa Jazz presentano domenica 16 aprile al Teatro Sant’Andrea di Pisa, la settima edizione del Fonterossa Day, il one-day-festival dedicato alle novità discografiche dell’etichetta indipendente Fonterossa Records diretta della contrabbassista e compositrice Silvia Bolognesi.
Cinque concerti per una giornata ispirata ai suoni d’avanguardia, al free jazz, alla conduction.

A chiudere la giornata l’esibizione del Fonterossa Open Lab, un orchestra-laboratorio che da febbraio ad aprile ha lavorato su repertori originali dei cinque direttori Silvia Bolognesi, Marta Raviglia, Roberto Ottaviano, Eugenio Colombo e Avreeayl Ra, leggenda della ricca scena del jazz d’avanguardia Chicagoana, membro di vecchia data dell’AACM, già al fianco di artisti come Sun Ra, Ari Brown e Art Ensemble of Chicago. Il tutto si svolgerà dalle 17:00 presso il Teatro Sant’Andrea.

Biglietto unico per i 5 concerti: posto unico € 10 + ddp

17:00 – BEAST FRIENDS
17:45 – EMANUELE MARSICO MOMO’ ENSEMBLE
18:30 – QUARTETTO FONTEROSSA #7 feat. AVREEAYL RA
21:15 – ROBERTO OTTAVIANO – ETERNAL LOVE TRIO
22:00 – FONTEROSSA OPEN LAB  

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17:00 BEAST FRIENDS

Silvia Bolognesi – contrabbasso
Tobia Bondesan – sassofono
Giuseppe Sardina – batteria

La musica, come la vita del resto, traccia dei sentieri fatti di scelte e casi. Ci sono persone che continuano a camminarci accanto, proseguendo imperterrite in una direzione che è la loro, ma anche la nostra. Ci sono musicisti con cui, da sempre, condividiamo un brivido, una vibrazione, una visione e a cui, sottilmente ma indissolubilmente, siamo collegati. Silvia, Tobia e Giuseppe sono così: legati da un filo, a cui hanno deciso di dare un nome e una storia. Una storia che nasce sia dalla passione per il jazz e la sua tradizione, sia dall’amore per la sperimentazione e per l’improvvisazione libera: questa formazione cerca di camminare in bilico tra questi elementi, grazie ad un attento ascolto reciproco e ad un repertorio -completamente originale- che permette grande elasticità. Il risultato è un rocambolesco viaggio tra culture e temi, tempo e narrazione, urlo e canto.

17:45 EMANUELE MARSICO MOMO ENSEMBLE

Emanuele Marsico – tromba e voce
Giovanni Gambardella – sassofono
Guglielmo Santimone – pianoforte
Stefano Zambon – contrabbasso
Edoardo Battaglia – batteria

La Momò Ensamble nasce da un’idea di Emanuele Marsico e dal bisogno di rivivere i ritmi e le sensazioni della musica popolare Campana. Inizia come uno studio dei canti popolari del ‘300, come i canti delle lavandaie del Vomero, per poi intrecciarsi con l’improvvisazione e le strutture più o meno tipiche del jazz moderno. La “Suite per un femminiello” è dedicata appunto al femminiello, una figura importante nella musica e nella cultura popolare napoletana. La prima parte cantata della suite prende spunto dai canti pagano-religiosi della “Madonna dell’Arco”, mentre la seconda, dalla Tammurriata di Pagani, città di origine di Marsico. Il resto della suite è ispirata ai lavori di Ambrose Akimnusire e Christian Scott Atunde Adjuah. L’intreccio di queste culture molto lontane tra loro e la strutturazione basata sull’improvvisazione crea una libertà di espressione tale che ad ogni esecuzione la suite assuma una forma diversa dalla versione precedente. L’obbiettivo di questa suite è l’integrazione. Integrazione musicale, visto il background differente tra componenti della band, quali Giovanni Gambardella al sax soprano, Stefano Zambon al contrabbasso, Guglielmo Santimone al piano , Edoardo Battaglia alla batteria ed Emanuele Marsico alla tromba e alla voce, ed integrazione sociale ribadita dai testi scritti per questa suite.

18:30 QUARTETTO FONTEROSA #7 feat. AVREEAYL RA

MARTA RAVIGLIA voce
EUGENIO COLOMBO flauto e sassofono
SILVIA BOLOGNESI contrabbasso
AVREEAYL RA batteria

Un incontro al vertice dell’improvvisazione con quattro direttori del Fonterossa Open Lab, con la speciale partecipazione di Avreeayl Ra, una leggenda locale di Chicago nella ricca scena del jazz d’avanguardia nel corso di una carriera che dura da più di mezzo secolo. Membro di vecchia data dell’AACM di Chicago, ha effettuato tournée internazionali per decenni con rinomati ensemble guidati da Sun Ra e Ari Brown e con l’Art Ensemble of Chicago. Altri collaboratori illustri con cui ha suonato e registrato includono Fred Anderson, Amiri Baraka, Fontella Bass, Lester Bowie, Oscar Brown, Henry Butler, Henry Byrd (“Professor Longhair”), Hamid Drake, Malachi Favors, Donald Raphael Garrett , Charles Gayle, Henry Grimes, Billy Harper, Joseph Jarman, Edward “Kidd” Jordan, Nicole Mitchell, Pharoah Sanders, Malachi Thompson e molti altri.

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21:15 ROBERTO OTTAVIANO TRIO

Roberto Ottaviano – sassofoni
Giovanni Maier – contrabbasso
Zeno de Rossi – batteria

L’Eternal Love Trio, guidato dal sassofonista Roberto Ottaviano, prende il nome dal progetto più ampio che da qualche anno sta riscontrando un buon successo sui palchi di tutto il mondo.
Il gruppo percorre attraverso un omaggio emozionale ad alcuni artisti legati all’Africa e ad una stagione della musica afroamericana ed europea che ha segnato in modo forte la formazione dei tre componenti, una immaginaria costellazione in cui il ritmo ed il senso melodico sono l’ago della bussola per orientarsi. I temi interpretati originali e non, disegnano in modo preciso la mappa su cui funziona l’interplay improvvisativo di alcuni tra i più singolari e autorevoli musicisti italiani, molto attivi nel vivace panorama europeo contemporaneo.

22:00 FONTEROSSA OPEN LAB 2023

Alle 22:00 conclude la giornata il concerto di Fonterossa Open Lab, l’orchestra-laboratorio di Silvia Bolognesi. Un laboratorio di improvvisazione orchestrale che nel 2023 si è svolto in cinque appuntamenti da febbraio ad aprile, dedicato allo sviluppo della creatività e della sperimentazione nel quale i musicisti hanno potuto confrontarsi con metodi “altri” di approccio alla direzione e a partiture non convenzionali, collaborando con direttori di fama nazionale e internazionale. I set saranno diretti da Silvia Bolognesi, Marta Raviglia, Roberto Ottaviano, Eugenio Colombo, Avreeayl Ra.

Alessandra Didodati voce / Giulia Galliani voce / Ginevra Guerrini voce / Susanna Ossola voce / Lorenzo Del Grande flauto / Nadia  Khreiwesh flauto / Lorenzo Santoro clarinetti / Alessandro La Neve sax alto / Neri Pollastri sax soprano / Alessandro Deiana sax tenore / Giorgio Gatto sax tenore / Chiara Martelli sax baritono / Marco Iacoboni tromba / Iacopo Fagioli tromba / Matteo Rossi tromba / Marica Vitale trombone / Gabriele Liscia violino / Milena Punzi violoncello / Sandra Ballerini violoncello / Alessandro Buonanimi contrabbasso / Federico Giolito contrabbasso / Gabriele De Pasquale chitarra / Giorgio Franchi chitarra / Annalisa Zito chitarra / Filippo Chiarello banjo / Domenico Saccente fisarmonica / Igor Ambrosin tastiere / Lorenzo Mocellin tastiere / Marco Sfrecola tastiere / Matteo Moscardini basso elettrico / Francesco D’Alessandro batteria / Palmiro Santoro batteria

Un concerto del grande trombettista Dave Douglas insieme all’inossidabile batterista Joey Baron è prima di tutto un’incursione nelle atmosfere della New York sonora che dagli anni Ottanta e Novanta arriva fino a oggi. Joey Baron, direttamente da Richmond, Virginia, nell’82 si muove verso la Grande mela per perfezionare gli studi sullo strumento, mentre Dave Douglas dal New Jersey nell’85, approda nella metropoli alla ricerca di una svolta dopo un breve periodo a Los Angeles. E così iniziarono quarant’anni di avventure nel jazz, dove entrambi si incrociarono con un’infinita carrellata di musicisti che fanno parte di una costellazione di nomi entrati nella storia. Nel ’93 si unirono alla prima incarnazione dei Masada di John Zorn, e insieme a Greg Cohen suonarono e registrarono per tutti gli anni Novanta. Recentemente si sono ritrovati per celebrare la musica di Dizzy Gillespie in un sestetto capitanato da Douglas. Condividendo lunghi anni di esperienze musicali, Douglas e Baron sono pronti a regalarci una serata di perfetta comunione, ricca di storia e storie.

Dave Douglas ha pubblicato oltre 60 album ed è stato nominato due volte ai Grammy. Arrivato a New York per studiare nel 1985, è diventato una delle figure più importanti e rispettate del jazz. Ha ricevuto un Doris Duke Award e una borsa di studio dalla rispettata Fondazione Guggenheim. Ha suonato in sestetto, quintetto, quartetto, trio o duo, elettrico o acustico.

Joey Baron ha fatto parte della band di Bill Frisell per un decennio ed è stato membro dei Naked City. Ha suonato accanto a nomi come Dizzy Gillespie, Carmen Mcrae, Tony Bennett, Chet Baker, Laurie Anderson, Stan Getz, David Bowie, Philip Glass o Al Jarreau.

Ingresso: € 12 – € 10 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Camilla Battaglia, cantante e compositrice classe 1990, affonda le sue radici musicali nel linguaggio della musica jazz con il quale è cresciuta musicalmente e che ha espanso negli anni verso diverse contaminazioni. Nel 2010 esce il suo primo disco da vocalist accompagnata dal trio di Renato Sellani e per i successivi due anni si mette alla prova in contest come solista e come leader di band con soddisfazione e si dedica all’attività concertistica. Nel 2012 si laurea in Filosofia presso L’università degli Studi di Milano e si iscrive subito dopo al triennio di Canto Jazz presso la neonata Siena Jazz University dove si laurea nel 2016 con il massimo dei voti. Lo stesso anno comincia il percorso itinerante del programma di master europeo EuJam grazie al quale studierà al Rhythmic Music Conservatory di Copenhagen, il JIB di Berlin e il Conservatorium Van Amsterdam, laureandosi in ‘contemporary composition and music performance’ nel 2018 a Copenhagen con il progetto per large ensemble ELEkTRA dedicato a figure archetipe femminili della storia e mitologia antica.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Concerto in abbonamento con “DAVE BURRELL & DUDU KOUATE” di lunedì 22 aprile alle ore 21:00 – € 15 – ridotto €12

Il compositore-pianista Dave Burrell è un artista di caratura eccezionale sulla scena musicale contemporanea internazionale. Le sue composizioni dinamiche con radici blues e gospel ricordano la tradizione di Jelly Roll Morton, James P. Johnson e Duke Ellington, così come i compositori d’avanguardia Thelonious Monk e John Coltrane. Il suo stile originale e il suo approccio audace alla composizione, profondamente radicato nella tradizione afroamericana ma che impiega le più ampie ispirazioni musicali e culturali, forniscono una lettura unica della musica e della storia americana. Burrell è un poeta musicale che celebra la cultura afroamericana e la storia inquieta e multiforme della sua integrazione.

Dudu Kouatè, griot figlio di griot, custode ed erede di una tradizione millenaria che ha portato in Italia, sbarcando a Messina nel 1988, musicista dalle doti eccezionali, membro stabile dal 2017 dello storico Art Ensemble of Chicago, con cui ha inciso un disco e suonato in tutto il mondo. Dudu racconta, soffia, canta, percuote e suona i suoi mille strumenti con i quali conduce in un viaggio alla radice dei suoni degli elementi della terra. Ha suonato a Santiago a Praia per Atlantic Music Expo di Capo Verde e quasi in ogni angolo del pianeta: dal prestigioso Kennedy Center di Washington (USA) al  Festival di Assilah in Marocco, passando per Australia, Sud America, Russia.

Ingresso: € 12 – € 10 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Concerto in abbonamento con “ELEKTRA: CAMILLA BATTAGLIA, SIMONE GRAZIANO, FRANCESCA REMIGI, FRANCESCO PONTICELLI, FRANCESCO FIORENZANI” di lunedì 22 aprile alle ore 19:00 – € 15 – ridotto €12

Con la partecipazione di Fabrizio Bosso, Blue Dolls, Luca Barbarossa
Presenta: Dario Salvatori

Il 24 aprile all’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone una serata speciale con il Maestro Nico Gori e la sua orchestra per presentare il nuovo disco “Lelio Luttazzi – Oltre il blu” pubblicato da Parco della Musica Records, etichetta discografica della Fondazione Musica per Roma e prodotto dalla Fondazione Lelio Luttazzi in un live a cura di Toscana Produzione Musica. Un progetto di Nico Gori e Rossana Luttazzi, un omaggio al musicista, direttore d’orchestra, pianista, presentatore, attore, scrittore che ha attraversato la storia del nostro paese passando con leggerezza da un secolo all’altro, osservando i cambiamenti del mondo e restando fedele a una visione della vita fatta d’intelligenza, impegno, professionalità, eleganza e gentilezza. Oltre il blu, il titolo del disco che dà anche il titolo alla serata, è l’ultimo brano inedito scritto dal Maestro Luttazzi nel 2008. Ospiti speciali della serata, oltre al Maestro Gabriele Comeglio, alcuni degli artisti presenti nel disco: Fabrizio Bosso, Luca Barbarossa e le Blue Dolls. Nel disco sono inoltre presenti i featuring di Stefano Bollani e Drusilla Foer che invierà un suo personale videomessaggio. A condurre la serata, fatta non solo di musica ma anche di parole e racconti per ricordare il Maestro Lelio Luttazzi, sarà Dario Salvatori.

“Gli appassionati del M° Lelio Luttazzi ben conoscono la sua lunga e prestigiosa carriera: compositore, pianista, direttore d’orchestra, arrangiatore, orchestratore, conduttore e salace critico di tutto ciò che non abbia a che vedere con lo swing. Per tutti costoro arriva nel centenario della nascita “Oltre il blu”, un album raffinato, zeppo di chicche, di vertigini che non ti aspetti.” Dario Salvatori

Biglietti: posto unico 15 euro

Nicole Mitchell ha purtroppo annullato i suoi concerti europei per intervenuti problemi personali. Il concerto previsto per il 28 aprile, è rimandato a data futura.

Fonterossa Open Orchestra è un grande ensemble non convenzionale. Il progetto si sviluppa a partire dai laboratori dedicati all’improvvisazione e allo studio di partiture “non convenzionali” che la compositrice, arrangiatrice e contrabbassista Silvia Bolognesi ha tenuto a partire dal 2016. L’obiettivo iniziale è stato quello di coinvolgere musicisti emergenti, con una particolare attenzione agli studenti delle scuole di musica e dei conservatori, creando uno spazio musicale condiviso dedicato alla sperimentazione e alla ricerca di un suono collettivo basato sull’uso della “conduction”. In questa proposta inedita e originale l’orchestra incontrerà per una residenza creativa la grande flautista e compositrice Nicole Mitchell per dar vita a una nuova impresa musicale.

Il concerto che prevedeva la flautista statunitense Nicole Mitchell accanto a Ballake Sissoko, previsto per il 29 aprile, diventerà un solo con l’interprete maliano della kora.
I biglietti acquistati rimangono validi per il nuovo concerto.

Ballaké Sissoko, nato a Bamako, inizia a suonare la kora, strumento tipico dei griot, in giovane età, sotto la guida del padre. Nel 1998 pubblica il suo primo album da solista “Kora Music from Mali Kora–Solo Album”.
Negli anni il suo lavoro si nutre anche di collaborazioni come quelle con Vincent Segal, Tourmani Diabaté, Alboulkadri Barry, Rokia Traoré, Fanga Diawara. Nel 2013 ha pubblicato l’album in solo “At Peace” un album da solista. Nel 2019 è uscito l’album “Sissoko & Sissoko”, album di duetti che lo vedono a fianco di Baba Sissoko. Universale e intima, singolare e plurale, la sua musica prende le forme della relazione. Il coraggio di essere se stessi, la memoria delle proprie radici, la capacità di connettersi agli altri.

Ingresso € 12 – ridotto soci Arci, soci Coop, under 25 € 10

Toscana Produzione Musica e Fondazione Sipario Toscana 

presentano

THIS IS JAZZ!

Il grande Jazz a La Città del Teatro

Domenica 30 APRILE ORE 21:15

Steve Coleman and Five Elements

Steve Coleman, alto saxophone
Jonathan Finlayson, trumpet
Rich Brown, electric bass
Sean Rickman, drums

Posto unico numerato €20/18 inclusa prevendita – Circuito Ticketone

Abbonamento 3 concerti della rassegna THIS IS JAZZ! € 55 inclusa prevendita, disponibile solo presso la biglietteria del teatro

Steve Coleman, protagonista indiscusso del jazz contemporaneo, è un sassofonista cui le etichette stanno strette. Capace di mescolare il jazz con l’hip-hop e i ritmi del funk, Coleman ha saputo apprendere la lezione dei grandi maestri come John Coltrane, Charlie Parker, Duke Elllington e Charles Mingus e sviluppare uno stile personalissimo nel quale si fonde un’inarrestabile vena swing.

In quello che è un continuo dialogo tra il jazz e la world music, Coleman è riuscito a creare uno stile riconoscibile, nel quale confluiscono le tradizioni africane, asiatiche e cubane, scegliendo sempre di circondarsi di musicisti che potessero apportare la loro impronta personale ai diversi progetti.

Leader di numerose formazioni, Coleman dal 1981 ha portato avanti, con i Five Elements, un complesso lavoro di sperimentazione e ricerca.

Forti dell’esperienza del Dinamitri Jazz Folklore che ha fatto delle radici africane del blues la propria cifra stilistica, due dei suoi elementi storici come Dimitri Grechi Espinoza e Gabrio Baldacci aprono a territori desertici e ritmi circolari una proposta musicale che vede per la prima volta la collaborazione col polistrumentista Andrea Beninati al violoncello e alla batteria. In particolare l’esperienza di Espinoza con musicisti tuareg e berberi tra i quali Tartit e Bombino, e maliani come Samba Tourè e Afel Bocoum grazie alle collaborazioni con il Festival au Désert di Timbuktù e di Firenze, rende questo progetto prima di tutto una piattaforma aperta che accoglie interventi e innesti di culture altre sia a livello compositivo che nelle occasioni live.

Dimitri Grechi Espinoza, sassofoni
Gabrio Baldacci, chitarre elettriche
Andrea Beninati, batteria, violoncello

Ingresso: € 10 – € 8 ridotto under 25, soci Arci
Abbonamento concerti al Teatro di San Pietro di Volterra del 5, 12 e 19 maggio.

Oliphantre è esplosivo, conturbante e romantico. Suggestioni hip hop, sferzanti linee rock e punk, groove e melodici lirismi si mescolano a spontaneità e improvvisazione. Testi e musica si fondono per dare vita a una ricerca interiore alla volta di quell’immaginario sonoro, di quei movimenti invisibili che sbaragliano i tentativi di spiegazione razionale. Il disco omonimo è prodotto nel 2022 da Auand records. I tre musicisti si muovono agevolmente nel terreno del jazz e delle sue più imprevedibili contaminazioni e sono fra i più richiesti leader e sideman in ambito Europeo.

Leïla Martial (voce, effetti), astro nascente del jazz francese, spazia con collaborazioni che vanno dalla musica Inuit, le tribù dei pigmei AKA ai progetti di musica contemporanea. È leader del progetto Baa Box oltre alle molte collaborazioni fra cui quella con Valentin Ceccaldi e ONJ.

Francesco Diodati (chitarra, effetti, composizioni) è membro delle formazioni Yellow Squeeds, weave4, MAT, Tell Kujira, collabora stabilmente con Enrico Rava, Paolo Fresu, Julien Pontvianne, Matteo Bortone.

Stefano Tamborrino (batteria, voce), leader con lo pseudonimo Don Karate e richiestissimo sideman annovera fra le sue collaborazioni Gianluca Petrella, Louis Cole (knower), Dave Binney, Stefano Bollani.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Una formazione multiculturale formata da Michelangelo Scandroglio, contrabbassista toscano già vincitore  del Premio Tomorrow’s Jazz; Mindaugas Stumbras, chitarrista lituano musicalmente cresciuto a Glasgow; Fergus McCreadie, pianista scozzese che incarna alla perfezione la tradizione del suo paese con quella jazzistica; Mattia Galeotti, batterista toscano di madre svedese anche lui molto presente nella scena jazzistica italiana. Musica originale che guarda alle tradizioni culturali dei paesi di provenienza, idee melodiche semplici e liriche, tipicamente folkloristiche, si intrecciano a intensi momenti di improvvisazione dove esplode l’energia del gruppo.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Nico Gori, uno dei musicisti jazz toscani più affermati a livello nazionale e internazionale, nel progetto Around Clarinet esplorerà le potenzialità dello strumento che lo ha reso noto al grande pubblico. La narrazione si svilupperà lungo la linea della storia musicale legata a questo strumento, attraverso un repertorio di inediti originali e arrangiamenti di brani celebri di diverse epoche.

Nico Gori – clarinetto e composizioni
Marco Benedetti – basso
Andrea Mucciarelli – chitarre
Andrea Beninati – batteria e violoncello
Raffaele Pallozzi – piano
Simone Padovani – percussioni

Ingresso: € 10 – € 8 ridotto under 25, soci Arci
Abbonamento concerti al Teatro di San Pietro di Volterra del 5, 12 e 19 maggio.

Una profonda ricerca di un suono e di uno stile riconoscibile contraddistingue al meglio i Satoyama. Fin dal 2013, si sono dedicati alla creazione di musica originale profondamente immaginifica ed onirica. Nel 2015 la loro prima uscita discografica “Spicy green cube” è accolta ottimamente dalla critica e dal pubblico. A fine 2016, invitati dal Ministero della cultura svedese, partono per un tour in Svezia e Danimarca, accompagnati dal sassofonista svedese Jonny Wartel, con il quale incidono “In Sweden”. Il loro terzo album “Magic Forest” (2019), pubblicato dall’etichetta italiana Auand Records e ispirato ai temi ambientali, è stato premiato come uno dei 100 migliori dischi del 2019 dal giornale JAZZIT. Nello stesso anno hanno iniziato una fruttuosa collaborazione con Fano Jazz Network, portandoli a vincere il bando “Per Chi Crea” promosso e finanziato da SIAE e Mibact. Il progetto “Build a Forest”, nasce dall’esigenza di far convivere la musica con l’interesse per l’ecologia e li ha portati , a marzo 2020, in un tour a zero emissioni di CO2 da Mosca a Vladivostok attraverso la transiberiana. Da questa esperienza nasce il docufilm “Rails” diretto dal regista Fabio Dipinto.
Nel 2021 nasce la collaborazione con il collettivo teatrale Biloura con il quale inizia la creazione dello spettacolo “Sinking Islands” liberamente ispirato alle musiche dell’omonimo album dei Satoyama che uscirà nel 2022 sempre per Auand Records. Nello stesso anno la loro associazione “Build a Forest” inizia a tessere una rete tra gli addetti ai lavori e a mettere in luce come una nuova forma di relazione tra arte ed ecologia sia possibile.

Luca Benedetto – tromba e tastiera
Christian Russano – chitarre ed elettronica
Marco Bellafiore – contrabbasso ed elettronica
Gabriele Luttino – batteria, glockenspiel ed elettronica

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Il concerto porta dal vivo il nuovo lavoro di Stefano Travaglini e Achille Succi “Book Of Innocence”. “Un disco particolarmente ispirato, qualcosa che va oltre le convenzioni”, come sottolinea il giornalista di All about jazz Karl Ackermann nelle note di copertina del duo firmato Notami Jazz. L’album contiene otto composizioni del pianista, recentemente vincitore del Concorso Internazionale di composizione pianistica “G. Canciani”, e una cover di un celebre brano di Pat Metheny. Achille Succi, che nel disco alterna il sax alto al clarinetto basso, da anni è considerato un apprezzato improvvisatore e compositore, descritto dal giornalista Mario Gamba come un genio del jazz italiano. Chiude Ackermann paragonando il disco a un dipinto di Henry Matisse: “Il Museum of Modern Art indica come l’orologio a pendolo senza lancette sia il fulcro de L’atelier rouge di Matisse, specificando che l’intero lavoro sussiste in un ambiente in cui il tempo è sospeso. Si può dire che questa eccezionale opera d’arte, Book of innocence, vive in un luogo simile. I due virtuosi ci regalano una collezione di brani che merita una completa e ripetuta attenzione, un’esperienza di ascolto eccezionalmente gratificante.”

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Una formazione multiculturale formata da Michelangelo Scandroglio, contrabbassista toscano già vincitore  del Premio Tomorrow’s Jazz; Mindaugas Stumbras, chitarrista lituano musicalmente cresciuto a Glasgow; Fergus McCreadie, pianista scozzese che incarna alla perfezione la tradizione del suo paese con quella jazzistica; Mattia Galeotti, batterista toscano di madre svedese anche lui molto presente nella scena jazzistica italiana. Musica originale che guarda alle tradizioni culturali dei paesi di provenienza, idee melodiche semplici e liriche, tipicamente folkloristiche, si intrecciano a intensi momenti di improvvisazione dove esplode l’energia del gruppo.

Ingresso gratuito

Forti dell’esperienza del Dinamitri Jazz Folklore che ha fatto delle radici africane del blues la propria cifra stilistica, due dei suoi elementi storici come Dimitri Grechi Espinoza e Gabrio Baldacci aprono a territori desertici e ritmi circolari una proposta musicale che vede per la prima volta la collaborazione col polistrumentista Andrea Beninati al violoncello e alla batteria. In particolare l’esperienza di Espinoza con musicisti tuareg e berberi tra i quali Tartit e Bombino, e maliani come Samba Tourè e Afel Bocoum grazie alle collaborazioni con il Festival au Désert di Timbuktù e di Firenze, rende questo progetto prima di tutto una piattaforma aperta che accoglie interventi e innesti di culture altre sia a livello compositivo che nelle occasioni live.

Dimitri Grechi Espinoza, sassofoni
Gabrio Baldacci, chitarre elettriche
Andrea Beninati, batteria, violoncello

Uno dei pianisti più importanti della scena nazionale come Danilo Rea e uno dei più raffinati compositori e abili virtuosi di serpentone e tuba, Michel Godard si incontrano sul terreno comune dell’amore per la musica del grande compositore lucchese Giacomo Puccini. Lontani dai manierismi di molti progetti di rilettura in chiave jazz di repertori operistici, Rea e Godard esplorano Puccini non solo attraverso l’improvvisazione sul canovaccio di arie note e meno note, ma anche ritrovando l’eredità del suo travolgente lirismo in alcune selezionate composizioni originali. Il risultato è una musica universale, senza tempo e oltre i generi, che riesce a toccare corde intime e profonde in chi la ascolta. Un incontro tra Maestri.

Danilo Rea nasce a Vicenza il 9 Agosto 1957, ma si trasferirà poco dopo a Roma con tutta lafamiglia. La sua storia in musica nasce proprio là, a Roma, tra le pareti di casa sua, dove l’incanto per i vecchi vinili di Modugno è più forte, già da piccolissimo, di qualsiasi divertimento: il vero gioco è suonare il piano, il vero incanto è la musica, il vero sogno è la melodia, il vero abbandono è nell’armonia. E la passione diventa studio al Conservatorio di Santa Cecilia, dove si diploma in pianoforte con il massimo dei voti e dove insegna nella cattedra di jazz fino al 2017. Studi classici, rock e pop influenzano la sua formazione e convergono attraverso il jazz, la sua vera passione, in uno stile inconfondibile e unico composto di due ingredienti fondamentali: melodia e improvvisazione.

Michel Godard è uno dei pochissimi solisti di tuba e probabilmente l’unico solista di serpentone che imbraccia per la prima volta nel 1979. Questo strumento, che nasce come il basso della famiglia dei cornetti, non aveva mai goduto di un repertorio solistico. Godard, sviluppando su questo strumento dimenticato il suo enorme talento tecnico, vi esegue un repertorio che va dalla musica del XVI secolo al jazz ed alla musica improvvisata.
Come solista di musica classica, ha suonato e registrato con l’ ‘Orchestre Philharmonique de Radio France, con l’Orchestre National de France, con l’ensemble Musique Vivante, con l’Ensemble La Fenice di Parigi, con XVIII-21 Musique des lumières, con l’Ensemble Jacques Moderne.
Nell’ambito del jazz, ha suonato, con Rabih Abou-Khalil, Christof Lauer, Luciano Biondini, Linda Bsiri, Michel Portal, Louis Sclavis, Henry Texier, Enrico Rava, Michael Riessler, Kenny Wheeler, Ray Anderson, Sylvie Courvoisier, Klaus König, Simon Nabatov, Wolfgang Puschnig, Linda Sharrock, Misha Mengelberg, Maria Pia De Vito, Willem Breuker, Herbert Joos, Dave Bargeron, Steve Swallow, Roberto Martinelli.

Una formazione multiculturale formata da Michelangelo Scandroglio, contrabbassista toscano già vincitore  del Premio Tomorrow’s Jazz; Mindaugas Stumbras, chitarrista lituano musicalmente cresciuto a Glasgow; Fergus McCreadie, pianista scozzese che incarna alla perfezione la tradizione del suo paese con quella jazzistica; Mattia Galeotti, batterista toscano di madre svedese anche lui molto presente nella scena jazzistica italiana. Musica originale che guarda alle tradizioni culturali dei paesi di provenienza, idee melodiche semplici e liriche, tipicamente folkloristiche, si intrecciano a intensi momenti di improvvisazione dove esplode l’energia del gruppo.

Ingresso € 5
Abbonamento – i concerti al Teatro Marchionneschi: MENT4L – TOMMASO NOVI – SIMONE GRAZIANO FRONTAL E CLAP! CLAP! € 12

**Il concerto è rimandato a data da destinarsi. **

Pasquale Mirra è considerato uno dei vibrafonisti più interessanti della scena italiana e internazionale. Collabora e ha collaborato con grandi improvvisatori della scena mondiale, tra i quali: Michel Portal, Fred Frith, Nicole Mitchell, Tristan Honsinger, Ernst Reijseger, Rob Mazurek, Ballakè Sissoko, Buch Morris, Lansiné Kouyaté, Jeff Parker, Michael Blake e molti altri. Nel 2013 viene nominato miglior vibrafonista italiano dalla rivista di settore “Jazz it” e nel 2014 è considerato tra i migliori musicisti dell’anno per i critici della rivista “Musica Jazz”. Dal 2008 collabora stabilmente con il noto percussionista americano Hamid Drake con il quale suona e ha suonato in diversi progetti partecipando a numerosi festival in America e in Europa. Ha collaborato con il gruppo Mop Mop e ha preso parte alle musiche del film del regista americano Woody Allen “To Rome with Love”. Si dedica anche all’educazione musicale attraverso la costruzione di strumenti musicali attraverso il riciclo dei materiali.

Ingresso: € 10 – € 8 ridotto under 25, soci Arci

Pluripremiato sassofonista e compositore, Ivan Mazuze è originario del Mozambico ma vive in Norvegia, dove lavora come musicista-compositore collaborando a vari progetti tra il jazz, il folk e la musica tradizionale. Sia in quartetto che in quintetto il suo inconfondibile sound è una delle migliori espressioni attuali del world jazz. Le sue composizioni si ispirano anche alla musica tradizionale africana, sempre contaminate dal tradizionale drumming del continente dal quale proviene. Con alla base una forte radice armonica e una sezione ritmica potente, la sua improvvisazione si muove agilmente tra il jazz e i suoni urbani africani. Sul palco con lui, Piero Gaddi al pianoforte, Bernardo Guerra alla batteria e Francesco Ponticelli al contrabbasso.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Una co-produzione di Toscana Produzione Musica, Salty Music, Productions Casa Nostra nell’ambito di “Migrazioni Sonore 2023”

Voce, fischio e pianoforte insieme per un viaggio inaspettato dall’Italia al Canada, da Mozart a Lucio Dalla. Insieme alla bassista Melissa Doucet e la batterista Christina Beaudy-Cardenas, Tommaso Novi presenta un percorso attraverso la musica che lo ha formato ed ispirato: gli ingredienti sono l’insolita accoppiata di fischio e pianoforte, insieme al basso ed alla batteria delle due giovani artiste canadesi. Come un filo rosso questi strumenti collegheranno lo spettatore alla storia musicale che ha influenzato Tommaso Novi, da brani di musica classica a quelli della canzone italiana.

Migrazioni Sonore è un progetto ideato da Salty Music e per questa edizione speciale vede la collaborazione diretta di Toscana Produzione Musica in Italia e Production Casa Nostra in Canada. Tra i partner figurano: il Ministero della Cultura, la Regione Toscana, l’Università di Montréal, il Parco Regionale Migliarino, San Rossore, Massaciuccoli, il Teatro Persio Flacco di Volterra.

Intero € 10 – ridotto soci Arci, under 25 € 5
Abbonamento – i concerti al Teatro Marchionneschi: MENT4L – TOMMASO NOVI – SIMONE GRAZIANO FRONTAL E CLAP! CLAP! € 12

Una co-produzione di Toscana Produzione Musica, Salty Music, Productions Casa Nostra nell’ambito di “Migrazioni Sonore 2023”

Voce, fischio e pianoforte insieme per un viaggio inaspettato dall’Italia al Canada, da Mozart a Lucio Dalla. Insieme alla bassista Melissa Doucet e la batterista Christina Beaudy-Cardenas, Tommaso Novi presenta un percorso attraverso la musica che lo ha formato ed ispirato: gli ingredienti sono l’insolita accoppiata di fischio e pianoforte, insieme al basso ed alla batteria delle due giovani artiste canadesi. Come un filo rosso questi strumenti collegheranno lo spettatore alla storia musicale che ha influenzato Tommaso Novi, da brani di musica classica a quelli della canzone italiana.

Migrazioni Sonore è un progetto ideato da Salty Music e per questa edizione speciale vede la collaborazione diretta di Toscana Produzione Musica in Italia e Production Casa Nostra in Canada. Tra i partner figurano: il Ministero della Cultura, la Regione Toscana, l’Università di Montréal, il Parco Regionale Migliarino, San Rossore, Massaciuccoli, il Teatro Persio Flacco di Volterra.

Posti numerati € 12, ridotto soci arci e Under 25 €10

Una co-produzione di Toscana Produzione Musica, Salty Music, Productions Casa Nostra nell’ambito di “Migrazioni Sonore 2023”

Voce, fischio e pianoforte insieme per un viaggio inaspettato dall’Italia al Canada, da Mozart a Lucio Dalla. Insieme alla bassista Melissa Doucet e la batterista Christina Beaudy-Cardenas, Tommaso Novi presenta un percorso attraverso la musica che lo ha formato ed ispirato: gli ingredienti sono l’insolita accoppiata di fischio e pianoforte, insieme al basso ed alla batteria delle due giovani artiste canadesi. Come un filo rosso questi strumenti collegheranno lo spettatore alla storia musicale che ha influenzato Tommaso Novi, da brani di musica classica a quelli della canzone italiana.

Migrazioni Sonore è un progetto ideato da Salty Music e per questa edizione speciale vede la collaborazione diretta di Toscana Produzione Musica in Italia e Production Casa Nostra in Canada. Tra i partner figurano: il Ministero della Cultura, la Regione Toscana, l’Università di Montréal, il Parco Regionale Migliarino, San Rossore, Massaciuccoli, il Teatro Persio Flacco di Volterra.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

Una co-produzione di Toscana Produzione Musica, Salty Music, Productions Casa Nostra nell’ambito di “Migrazioni Sonore 2023”

Voce, fischio e pianoforte insieme per un viaggio inaspettato dall’Italia al Canada, da Mozart a Lucio Dalla. Insieme alla bassista Melissa Doucet e la batterista Christina Beaudy-Cardenas, Tommaso Novi presenta un percorso attraverso la musica che lo ha formato ed ispirato: gli ingredienti sono l’insolita accoppiata di fischio e pianoforte, insieme al basso ed alla batteria delle due giovani artiste canadesi. Come un filo rosso questi strumenti collegheranno lo spettatore alla storia musicale che ha influenzato Tommaso Novi, da brani di musica classica a quelli della canzone italiana.

Migrazioni Sonore è un progetto ideato da Salty Music e per questa edizione speciale vede la collaborazione diretta di Toscana Produzione Musica in Italia e Production Casa Nostra in Canada. Tra i partner figurano: il Ministero della Cultura, la Regione Toscana, l’Università di Montréal, il Parco Regionale Migliarino, San Rossore, Massaciuccoli, il Teatro Persio Flacco di Volterra.

Ingresso: € 12

Un progetto inedito che unisce Frontal, il quintetto guidato da Simone Graziano, uno dei migliori pianisti e compositori emersi recentemente nel panorama italiano, e Clap! Clap! Produttore e performer di fama internazionale.

Frontal è composto da alcuni tra i migliori talenti del jazz nostrano quali Gabriele Evangelista al contrabbasso e Stefano Tamborrino alla batteria. La band presenta una front line davvero eccezionale: il chitarrista olandese Reinier Baas, tra i più rappresentativi musicisti della nuova generazione del jazz europeo; Dan Kinzelman al sax tenore, americano naturalizzato in Italia, voce originalissima del sassofono contemporaneo. Tre album all’attivo, da dieci anni la loro musica rappresenta l’evoluzione di un gruppo dall’affiatamento straordinario, che è riuscito a crearsi uno spazio sonoro proprio ed originale. Tali caratteristiche rendono Frontal una realtà musicale davvero unica nella scena del jazz europeo.

Clap! Clap!, nome d’arte Cristiano Crisci, racchiudendo ispirazioni e stili disparati sulla pista da ballo della sua mente, da più di un decennio si è affermato come uno dei produttori di musica elettronica più audaci d’Italia. Ha portato i suoi energici spettacoli dal vivo nei club e sui palchi di tutto il mondo. La sua musica è una miscela unica di danza globale e suoni senza tempo che attingono dalla natura, dalla musica tradizionale, dalle registrazioni sul campo e dall’elettronica di centri moderni come Chicago e Londra.

Ingresso € 10 – ridotto soci Arci, Under 25 €5
Abbonamento – i concerti al Teatro Marchionneschi: MENT4L – TOMMASO NOVI – SIMONE GRAZIANO FRONTAL E CLAP! CLAP! € 12

Una co-produzione di Toscana Produzione Musica, Salty Music, Productions Casa Nostra nell’ambito di “Migrazioni Sonore 2023”

Voce, fischio e pianoforte insieme per un viaggio inaspettato dall’Italia al Canada, da Mozart a Lucio Dalla. Insieme alla bassista Melissa Doucet e la batterista Christina Beaudy-Cardenas, Tommaso Novi presenta un percorso attraverso la musica che lo ha formato ed ispirato: gli ingredienti sono l’insolita accoppiata di fischio e pianoforte, insieme al basso ed alla batteria delle due giovani artiste canadesi. Come un filo rosso questi strumenti collegheranno lo spettatore alla storia musicale che ha influenzato Tommaso Novi, da brani di musica classica a quelli della canzone italiana.

Migrazioni Sonore è un progetto ideato da Salty Music e per questa edizione speciale vede la collaborazione diretta di Toscana Produzione Musica in Italia e Production Casa Nostra in Canada. Tra i partner figurano: il Ministero della Cultura, la Regione Toscana, l’Università di Montréal, il Parco Regionale Migliarino, San Rossore, Massaciuccoli, il Teatro Persio Flacco di Volterra.

Ingresso gratuito

“t” è il risultato dell’ultima ricerca del duo Samuele Strufaldi e Tommaso Rosati, che amplia l’organico su questo progetto anche alle tabla di Francesco Gherardi e ad un quarto elemento meccanico. Il progetto del trio “aumentato” è un viaggio esplorativo nel Tempo e attraverso tutti i significati che questa parola può avere, sia in campo musicale che filosofico, fisico e percettivo. La formazione sperimenta con pianoforte preparato, live electronics e tabla indiane. Come quarto elemento performativo, il gruppo ha costruito un sistema meccanico computer-controlled che, intervenendo sul pianoforte, interagisce con l’esecuzione live. Con l’inserimento di elementi algoritmici ed aleatori nella texture musicale e nel processo compositivo dei brani, emerge quindi anche la tematica del rapporto tra tempo Uomo e tempo Macchina. Il risultato è un materiale musicale elastico, con forti influenze IDM e minimaliste che si tuffa dentro timbri sfaccettati (sintetici, acustici, meccanici, ibridi) e sperimenta con gestualità performative di interpretazione e stratificazione, in un territorio dove più tempi possono coesistere simultaneamente. Alla tecnica sonora si aggiunge un sistema luci progettato e realizzato dalla band per allargare la tessitura musicale a un’esperienza multimediale, grazie al collegamento diretto delle gestualità musicali e formali alla risposta dell’illuminazione sul palco. Il risultato è una performance immersiva dove i timbri ibridi di strumenti acustici, elettronici e robot meccanici si fondono con un’esperienza visiva ipnotica nella quale il tempo viene spazializzato dalla musica e dalla luce.

Ingresso: € 8 – € 5 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

La passione, l’inventiva, il sentimento, il fuoco, l’amore per la melodia. L’incontro tra Adriano Viterbini e Enzo Pietropaoli è un intenso respiro, un’esperienza di condivisione musicale. Il primo capitolo di questo racconto musicale risale al 2013 ed è testimoniato dal cd “Futuro Primitivo” per Parco Della Musica Records, perché, citando le note di copertina, “senza amore, e dunque coscienza della tradizione, non è possibile contemplare l’oltre con uno sguardo innovativo”. Sono passati dieci anni ed eccoli con un nuovo lavoro discografico.
La musica proviene da frammenti appuntati nel tempo e provenienti da suggestioni molto diverse tra loro, rese coerenti da un linguaggio, da una coesione e, soprattutto, da una fiducia reciproca nutrita da passioni comuni. Viterbini e Pietropaoli hanno aspettato che questi brani germogliassero in modo spontaneo, senza forzare i tempi, con la convinzione che non ci sarebbero stati altri modi per realizzarli.

Adriano Viterbini, chitarre
Enzo Pietropaoli, basso

Ingresso: € 12 – € 10 ridotto studenti, under 25, soci Arci, soci Coop

“Suoni, architetture, culture: Mixité”, incontro coordinato da Maurizio Agamennone (etnomusicologo, Università di Firenze) con Paolo Zampini, Francesca Breschi, Ziad Trabelsi, Fabrizio Cassol. 

A seguire, interventi musicali e concerto per sax solo di Dario Cecchini. In collaborazione con Florence Dance Festival. Incontro introduttivo e di riflessione sul rapporto tra musiche di culture diverse, intrecci sonori tra territori antichi e attuali e geografie sonore ibride.

Ingresso gratuito

in collaborazione con Florence Dance Festival

Francesco Dillon, violoncello

Uno dei musicisti più apprezzati sul panorama nazionale e internazionale, protagonista di un concerto teso a far emergere le profondità del luogo.

Ingresso gratuito

Nico Gori e la sua Orchestra presentano il nuovo disco “Lelio Luttazzi – Oltre il blu” pubblicato da Parco della Musica Records, etichetta discografica della Fondazione Musica per Roma e prodotto dalla Fondazione Lelio Luttazzi in un live a cura di Toscana Produzione Musica. Un progetto di Nico Gori e Rossana Luttazzi, un omaggio al musicista, direttore d’orchestra, pianista, presentatore, attore, scrittore che ha attraversato la storia del nostro paese passando con leggerezza da un secolo all’altro, osservando i cambiamenti del mondo e restando fedele a una visione della vita fatta d’intelligenza, impegno, professionalità, eleganza e gentilezza. Oltre il blu, il titolo del disco che dà anche il titolo alla serata, è l’ultimo brano inedito scritto dal Maestro Luttazzi nel 2008. Ospiti speciali della serata Nick The Nightlfy e The Blue Dolls, queste ultime presenti nel disco accanto a Fabrizio Bosso, Luca Barbarossa, Stefano Bollani e Drusilla Foer.

Ingresso €11,50

In collaborazione con Pisa Jazz Rebirth 2023

Orchestra di Piazza Vittorio, Ginevra Di Marco e Almar’à l’orchestra delle donne arabe

Quindici musiciste, musicisti e cantanti provenienti da esperienze culturali e orchestrali tra le più affascinanti di sempre – Almar’à l’orchestra delle donne arabe e del Mediterraneo e l’Orchestra di Piazza Vittorio – insieme a una delle voci femminili più rappresentative di un immaginario aperto alle altre culture come quella di Ginevra Di Marco, daranno vita al concerto “She, هي, elle, lei – voci di acqua e di terra, suoni di mare e di sabbia”: novità assoluta. Il progetto dedicato a un universo femminile multiculturale evoca, con brani e canzoni inedite e più o meno note, storie e racconti di deserti, genti di terre vicine e lontane, danze, speranze, nascite, addii e nuovi inizi.

“She, هي, elle, lei” è ideato e prodotto da Toscana Produzione Musica.

Ingresso €15 – ridotto studenti e soci Pisa Folk

In collaborazione con Pisa Folk Festival

Riccardo Onori, chitarra – Kalifa Koné (Mali), kora e balafon

Un incontro in musica tra il noto chitarrista collaboratore di Lorenzo Jovanotti e uno dei più sensibili musicisti maliani da tempo in Italia.

Ingresso gratuito

La contrabbassista toscana Silvia Bolognesi, lavorerà per alcune ore con madri e bambini restituendo infine un concerto in solo che diventa un percorso sonoro nel segno dell’incontro e della condivisione.

Ingresso gratuito

Un concerto in piano solo per Alessandro Lanzoni, uno dei più brillanti musicisti del territorio attivo sul piano nazionale e internazionale.

Ingresso gratuito

Aziz Şenol Filiz (Turchia), ney – Valentina Bellanova, ney.

Alla scoperta di uno degli strumenti simbolo della musica turca e mediorientale, da due esperienze tanto distanti quanto intriganti nel racconto e nei suoni evocativi di culture vicine e lontane.

Ingresso gratuito

Dimitri Grechi Espinoza, sax

Il musicista di origine russa si esibirà in un concerto per sax solo mostrando le sfumature di una ricerca al tempo stesso spirituale e sonora.

Ingresso gratuito

Ziad Trabelsi (Tunisia), oud e Gabriele Coen, sax

L’incontro tra paesaggi sonori apparentemente lontani, per due straordinari musicisti nel segno della pace tra i popoli.

Ingresso gratuito

Concerto in collaborazione con Balagan Café

Shadi Fathi setar, taf e voce (Iran) – Francesca Breschi, voce

Un viaggio mistico accompagnato da due voci che evocano attraverso musiche e parole un mosaico interiore al femminile.

Ingresso gratuito

Uno dei pianisti più importanti della scena nazionale come Danilo Rea e uno dei più raffinati compositori e abili virtuosi di serpentone e tuba, Michel Godard si incontrano sul terreno comune dell’amore per la musica del grande compositore lucchese Giacomo Puccini. Lontani dai manierismi di molti progetti di rilettura in chiave jazz di repertori operistici, Rea e Godard esplorano Puccini non solo attraverso l’improvvisazione sul canovaccio di arie note e meno note, ma anche ritrovando l’eredità del suo travolgente lirismo in alcune selezionate composizioni originali. Il risultato è una musica universale, senza tempo e oltre i generi, che riesce a toccare corde intime e profonde in chi la ascolta. Un incontro tra Maestri.

Danilo Rea nasce a Vicenza il 9 Agosto 1957, ma si trasferirà poco dopo a Roma con tutta lafamiglia. La sua storia in musica nasce proprio là, a Roma, tra le pareti di casa sua, dove l’incanto per i vecchi vinili di Modugno è più forte, già da piccolissimo, di qualsiasi divertimento: il vero gioco è suonare il piano, il vero incanto è la musica, il vero sogno è la melodia, il vero abbandono è nell’armonia. E la passione diventa studio al Conservatorio di Santa Cecilia, dove si diploma in pianoforte con il massimo dei voti e dove insegna nella cattedra di jazz fino al 2017. Studi classici, rock e pop influenzano la sua formazione e convergono attraverso il jazz, la sua vera passione, in uno stile inconfondibile e unico composto di due ingredienti fondamentali: melodia e improvvisazione.

Michel Godard è uno dei pochissimi solisti di tuba e probabilmente l’unico solista di serpentone che imbraccia per la prima volta nel 1979. Questo strumento, che nasce come il basso della famiglia dei cornetti, non aveva mai goduto di un repertorio solistico. Godard, sviluppando su questo strumento dimenticato il suo enorme talento tecnico, vi esegue un repertorio che va dalla musica del XVI secolo al jazz ed alla musica improvvisata.
Come solista di musica classica, ha suonato e registrato con l’ ‘Orchestre Philharmonique de Radio France, con l’Orchestre National de France, con l’ensemble Musique Vivante, con l’Ensemble La Fenice di Parigi, con XVIII-21 Musique des lumières, con l’Ensemble Jacques Moderne.
Nell’ambito del jazz, ha suonato, con Rabih Abou-Khalil, Christof Lauer, Luciano Biondini, Linda Bsiri, Michel Portal, Louis Sclavis, Henry Texier, Enrico Rava, Michael Riessler, Kenny Wheeler, Ray Anderson, Sylvie Courvoisier, Klaus König, Simon Nabatov, Wolfgang Puschnig, Linda Sharrock, Misha Mengelberg, Maria Pia De Vito, Willem Breuker, Herbert Joos, Dave Bargeron, Steve Swallow, Roberto Martinelli.

Questo concerto fa parte di Firenze Jazz Festival 2023

Mag Collective in collaborazione con Music Pool, Fondazione Elsa e Toscana Produzione Musica, da mercoledì 4 a domenica 8 ottobre, presenta Connetto Festival, un progetto di residenza artistica, concerti e eventi che unisce la produzione di musica originale, la condivisione e la connessione con il pubblico.

Mag Collective forma un gruppo di musicisti con alcune tra le giovani eccellenze musicali del territorio locale e italiano con lo scopo di unire artisti di diverse provenienze ma attitudini simili.
Il risultato sarà la produzione di un concerto originale per giovedì 5 ottobre, nel quale confluirà la musica prodotta nei mesi precedenti da ogni artista e poi proposta nel giorno di residenza, il 4 ottobre. Una serata inedita frutto di uno scambio culturale e di sperimentazione.

Giulia Galliani Voce – EFX
Camilla Battaglia Voce – EFX
Giovanni Benvenuti Sax
Andrea Glockner Trombone
Andrea Mucciarelli Chitarra
Gabrio Baldacci Chitarra Baritona
Marco Benedetti Basso – Contrabbasso
Andrea Beninati Batteria – Violoncello
Evita Polidoro Batteria – Voce

Connetto Festival è organizzato in collaborazione con Music Pool, Fondazione Elsa e Toscana Produzione Musica

Un progetto inedito che unisce Frontal, il quintetto guidato da Simone Graziano, uno dei migliori pianisti e compositori emersi recentemente nel panorama italiano, e Clap! Clap! Produttore e performer di fama internazionale.

Frontal è composto da alcuni tra i migliori talenti del jazz nostrano quali Gabriele Evangelista al contrabbasso e Stefano Tamborrino alla batteria. La band presenta una front line davvero eccezionale: il chitarrista olandese Reinier Baas, tra i più rappresentativi musicisti della nuova generazione del jazz europeo; Dan Kinzelman al sax tenore, americano naturalizzato in Italia, voce originalissima del sassofono contemporaneo. Tre album all’attivo, da dieci anni la loro musica rappresenta l’evoluzione di un gruppo dall’affiatamento straordinario, che è riuscito a crearsi uno spazio sonoro proprio ed originale. Tali caratteristiche rendono Frontal una realtà musicale davvero unica nella scena del jazz europeo.

Clap! Clap!, nome d’arte Cristiano Crisci, racchiudendo ispirazioni e stili disparati sulla pista da ballo della sua mente, da più di un decennio si è affermato come uno dei produttori di musica elettronica più audaci d’Italia. Ha portato i suoi energici spettacoli dal vivo nei club e sui palchi di tutto il mondo. La sua musica è una miscela unica di danza globale e suoni senza tempo che attingono dalla natura, dalla musica tradizionale, dalle registrazioni sul campo e dall’elettronica di centri moderni come Chicago e Londra.

Ingresso € 2

In collaborazione con Internet Festival 2023

Forti dell’esperienza del Dinamitri Jazz Folklore che ha fatto delle radici africane del blues la propria cifra stilistica, due dei suoi elementi storici come Dimitri Grechi Espinoza e Gabrio Baldacci aprono a territori desertici e ritmi circolari una proposta musicale che vede per la prima volta la collaborazione col polistrumentista Andrea Beninati al violoncello e alla batteria. In particolare l’esperienza di Espinoza con musicisti tuareg e berberi tra i quali Tartit e Bombino, e maliani come Samba Tourè e Afel Bocoum grazie alle collaborazioni con il Festival au Désert di Timbuktù e di Firenze, rende questo progetto prima di tutto una piattaforma aperta che accoglie interventi e innesti di culture altre sia a livello compositivo che nelle occasioni live.

Dimitri Grechi Espinoza: sassofoni
Gabrio Baldacci: chitarre elettriche
Andrea Melani: batteria

Toscana Produzione Musica / ATP Teatri di Pistoia Centro di Produzione Teatrale

Forti dell’esperienza del Dinamitri Jazz Folklore che ha fatto delle radici africane del blues la propria cifra stilistica, due dei suoi elementi storici come Dimitri Grechi Espinoza e Gabrio Baldacci aprono a territori desertici e ritmi circolari una proposta musicale che vede per la prima volta la collaborazione col polistrumentista Andrea Beninati al violoncello e alla batteria. In particolare l’esperienza di Espinoza con musicisti tuareg e berberi tra i quali Tartit e Bombino, e maliani come Samba Tourè e Afel Bocoum grazie alle collaborazioni con il Festival au Désert di Timbuktù e di Firenze, rende questo progetto prima di tutto una piattaforma aperta che accoglie interventi e innesti di culture altre sia a livello compositivo che nelle occasioni live.

Dimitri Grechi Espinoza: sassofoni
Gabrio Baldacci: chitarre elettriche
Andrea Melani: batteria

Toscana Produzione Musica / ATP Teatri di Pistoia Centro di Produzione Teatrale

“Animal Farm” nasce sulla base di un percorso vivo, interrotto con “1974 IO SO, Damn If I Know”, album in cui la poetica e l’irruenza della New Thing, in particolare i contenuti politici dell’ispiratore Archie Shepp, si mescolavano con il messaggio sempre attuale degli “Scritti Corsari” di Pier Paolo Pasolini proponendo i testi de “Il Romanzo delle Stragi” e di “Acculturazione e Acculturazione”. In seguito i progetti con i Dinamitri Jazz Folklore “Congo Evidence”, grazie alla presenza del poeta Sadiq Bey, ed “Akendengue Suite” con l’eccezionale collaborazione di Amiri Baraka, avevano creato una sorta di continuità di rapporti con il mondo della letteratura militante. “Animal Farm si pone con una doppia chiave di lettura: può essere visto come una colonna sonora dell’omonimo romanzo di George Orwell, da cui prende origine, oppure essere considerato esso stesso, in maniera autonoma, come una meditazione sul potere e sul suo esercizio a tutti i livelli.

Emanuele Parrini: violino
Beppe Scardino: sax baritono, clarinetto basso, flauto
Giovanni Maier: contrabbasso
Andrea Melani: batteria

Toscana Produzione Musica / ATP Teatri di Pistoia Centro di Produzione Teatrale

Quando si affronta un gigante come Eric Dolphy è facile cedere alla tentazione di una ‘lectio restituta’, un esercizio di stile. Per liberarsi dai pericoli di un omaggio che diventa una palude, è necessario avere – oltre alle indiscusse competenze di controllo tecnico ed interpretativo – una focalizzazione creativa che manipoli il materiale non solo per formulare una nuova versione di questo o quel brano, ma che abbia anche l’obiettivo di costruire una nuova autorialità, con punto di partenza nel songbook di Eric Dolphy.

Marco Colonna e Alexander Hawkins sono indubbiamente due delle personalità delle nuove generazioni che possiedono queste qualità; e infatti, queste sono i principali strumenti tattici della loro visione filosofica della musica. Entrambi fanno parte di quel gruppo di improvvisatori liberi che hanno alle spalle una severa preparazione; e il loro approccio all’interazione, all’assolo e all’invenzione contrappuntistica si muove essenzialmente lungo gli stessi assi cartesiani del rigore accademico europeo. Sono musicisti lontani dalla ingenuità di un radicalismo storicizzato ormai settantenne, così
come sono distanti da un certo lessico afroamericano altrettanto storicizzato. Colonna e Hawkins rappresentano appieno la nuova era della “ricerca consapevole”, e per questo motivo credo di non sbagliarmi nel dire che hanno tenuto in considerazione una figura come Anthony Braxton, che sicuramente più di molti altri ha recepito il messaggio di Dolphy.

Marco Colonna: clarinetto basso
Alexander Hawkins: piano

Ingresso MARCO COLONNA – ALEXANDER HAWKINS + EMANUELE PARRINI QUARTET € 12,00 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

“Animal Farm” nasce sulla base di un percorso passato ma vivo, un filo interrotto con “1974 IO SO, Damn If I Know”, album in cui la poetica e l’irruenza della New Thing, in particolare i contenuti politici dell’ispiratore Archie Shepp, si mescolavano con il messaggio sempre attuale degli “Scritti Corsari” di Pier Paolo Pasolini proponendo i testi de “Il Romanzo delle Stragi” e di “Acculturazione e Acculturazione”. In seguito i progetti con i Dinamitri Jazz Folklore “Congo Evidence”, grazie alla presenza del poeta Sadiq Bey, ed “Akendengue Suite” con l’eccezionale collaborazione di Amiri Baraka, avevano creato una sorta di continuità di rapporti con il mondo della letteratura militante. “Animal Farm” si pone con una doppia chiave di lettura: può essere visto come una colonna sonora dell’omonimo romanzo di George Orwell, da cui prende origine, oppure essere considerato esso stesso, in maniera autonoma, come una meditazione sul potere e sul suo esercizio a tutti i livelli.

Emanuele Parrini: violino
Beppe Scardino: sax baritono, clarinetto basso, flauto
Giovanni Maier: contrabbasso
Andrea Melani: batteria

Ingresso MARCO COLONNA – ALEXANDER HAWKINS + EMANUELE PARRINI QUARTET € 12,00 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Forti dell’esperienza del Dinamitri Jazz Folklore che ha fatto delle radici africane del blues la propria cifra stilistica, due dei suoi elementi storici come Dimitri Grechi Espinoza e Gabrio Baldacci aprono a territori desertici e ritmi circolari una proposta musicale che vede per la prima volta la collaborazione col polistrumentista Andrea Beninati al violoncello e alla batteria. In particolare l’esperienza di Espinoza con musicisti tuareg e berberi tra i quali Tartit e Bombino, e maliani come Samba Tourè e Afel Bocoum grazie alle collaborazioni con il Festival au Désert di Timbuktù e di Firenze, rende questo progetto prima di tutto una piattaforma aperta che accoglie interventi e innesti di culture altre sia a livello compositivo che nelle occasioni live.

Dimitri Grechi Espinoza: sassofoni
Gabrio Baldacci: chitarre elettriche
Andrea Beninati: batteria, violoncello

Ingresso MALI BLUES + ROOTS MAGIC SEXTET € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide  € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

La musica suonata da Roots Magic indaga e attinge alla materia poetica del Blues, il tessuto espressivo su cui fiorisce il grande continuum della musica Afro-Americana. Un flusso rigeneratore in perenne movimento fra passato, presente, e futuro. Roots Magic si inserisce così in un percorso teso ad illuminare i collegamenti tra le forme originarie del Blues rurale degli anni ’20 e ’30 con la molteplicità linguistica del Jazz creativo degli anni ’60, ’70, e oltre. Un percorso non lineare che si concretizza nell’elaborazione di un repertorio calibrato intorno all’idea di adattamento, revisione e trasformazione della lingua madre in infiniti dialetti.

Alberto Popolla: clarinetto, clarinetto basso
Eugenio Colombo: flauto, sax soprano
Errico De Fabritiis: sax alto e baritono
Francesco Lo Cascio: vibrafono, percussioni
Gianfranco Tedeschi: contrabbasso
Fabrizio Spera: batteria

Ingresso MALI BLUES + ROOTS MAGIC SEXTET € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide  € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Il solo del musicista e performer bresciano The World Behind the Skin non è un concerto e neanche una performance ma l’occupazione di uno spazio fisico ed emotivo, il tentativo di ricreare la propria intimità e raccontare la propria storia tramite il suono, il rumore, cercando di ritrovare il proprio essere nel contatto diretto con le persone, i muri e le opere, che ne determinano la struttura.

Gabriele Mitelli si occupa di musica sperimentale e jazz d’avanguardia. Il suo strumento principale è la tromba, ma suona molti strumenti a fiato e sintetizzatori modulari. Ha creato installazioni sonore e performance site-specific. Da anni si dedica alla direzione artistica e alla creazione di un’agitazione culturale nel suo territorio. In pochi anni suona in alcuni dei festival europei più importanti, affiancandosi ad esponenti della musica jazz e di confine tra cui Mats Gustaffson, Anna Högberg, Mette Rasmussen, Wayne Horovitz, Susanna Santos Silva, Elio Martusciello, Tobias Delius, Cristiano Calcagnile, Nino Locatelli, Jeff Parker, Chad Taylor, Ken Vandermark, Rob Mazurek, John Edwards, Mark Sanders, Pasquale Mirra, Alexander Hawkins, Chris Speed, Gianluca Petrella, Ralph Alessi; inoltre collabora stabilmen- te con Cristina Donà, cantautrice e interprete tra le più apprezzate nel Pop.

Gabriele Mitelli: cornetta, sax soprano, tromba preparata, elettronica, oggetti

Ingresso GABRIELE MITELLI + NILS PETTER MOLVÆR TRIO € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide  € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Nils Petter Molvær è un trombettista, compositore e produttore norvegese. In lui convivono jazz, ambient, house, elettronica, oltre a elementi di musica hip hop, rock e pop. Con la sua tromba è capace di rimodellare gli stili creando un suono unico che rimanda a paesaggi sonori di profonda intensità.
Da subito ha abbracciato sia la musica acustica che quella elettronica rendendolo presto un musicista molto richiesto ad Oslo. Con la formazione Masqualero, Nils Petter Molvaer è stato accolto da Manfred Eicher nella sua etichetta ECM. Per la ECM Molvaer ha anche registrato sessioni in studio classiche con artisti come Robyn Schulkowsky, Marilyn Mazur, Jon Balke’s Oslo 13 e Sidsel Endresen. Ma voleva fare qualcosa di diverso, sia in termini di composizione che di tecnica della tromba.

Quella di Molvaer è una tromba in grado di catturare sia le calotte polari che la sabbia del deserto. Capace di portare alla memoria folle impetuose e totale solitudine. Molvaer ha un suo suono estremamente individuale, influenzato tanto dalla poesia della natura scandinava quanto dal calcolo elettronico. In lui inoltre sono vive le influenze di Miles Davis e Jon Hassell. Ma più di ogni altra cosa, Molvaer ha se stesso. Ascoltandolo suonare, è facile dimenticare che il suo strumento è una tromba.

Nils Petter Molvær: tromba
Jo Bergen Myhre: basso
Erland Dahlen: batteria

Ingresso GABRIELE MITELLI + NILS PETTER MOLVÆR TRIO € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide  € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Con Minotauri, titolo del programma da concerto in solo, la violinista Anais Drago prosegue la ricerca in solitaria intrapresa con l’album Solitudo, edito da CAM Jazz nel 2021: un disco in solo che sorprende per la pluralità di voci, un elogio alla solitudine che si nutre di bellezza. In Minotauri, restano l’alternanza dei violini (acustico ed elettrico, entrambi soggetti a manipolazione elettronica), la ricerca di un’espressività timbrica del tutto personale, ma il focus si sposta sulla narrazione di vere e proprie storie di solitudine, tramite un attento utilizzo del materiale musicale, talvolta essenziale e minimalista, talvolta ricco e variopinto nella sostanza e nello sviluppo, interamente frutto della penna e dell’improvvisazione della Drago.

L’utilizzo della voce, usata per cantare e declamare, funge ora da narratore impersonale (come in Minotauros, rilettura in musica dell’omonimo romanzo di Friedrich Dürrenmatt) ora da narratore in prima persona (come in Firma Mentis, suite musicale che contiene un monologo tratto dalle Cosmicomiche di Italo Calvino). I Minotauri di Anais Drago rappresentano le nostre solitudini, raccontate attraverso personaggi che appartengono a immaginari diversissimi e apparentemente incompatibili tra loro, ma nei quali risulta difficile non immedesimarsi.

Anais Drago: violini, voce, composizioni

Ingresso ANAIS DRAGO + DUO ERNST REIJSEGER e MARIO FORTE € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Questo concerto è un inedito incontro musicale tra Ernst Reijseger, geniale violoncellista e esploratore di generi musicali e forme artistiche: dalla iniziale formazione classica, all’improvvisazione libera, e alla collaborazione con il celebre regista Werner Herzog, in duo con un suo spirito affine: il violinista Mario Forte, che ha viaggiato per il mondo per tutta la sua vita, assorbendo influenze musicali da ogni parte, e che, in questo progetto, insieme a Reijseger esplora tutto, dal barocco al jazz all’americana. È a New York che Mario Forte sente parlare per la prima volta di Ernst Reijseger, dai musicisti di John Zorn con cui il violinista franco-italiano ha avviato numerose collaborazioni, al suo debutto sulla scena musicale della East-Cost . Ernst Reijseger ha già registrato dozzine di album con questa comunità d’avanguardia negli ultimi 30 anni. Mario Forte ed Ernst Reijseger esplorano molte estetiche musicali. Dal jazz rivisitato alla musica barocca, passando per la musica d’avanguardia, americana e minimalista, la musica classica e quella contemporanea, per non parlare di forme totalmente inclassificabili, questi insaziabili musicisti sperimentano tutto alla ricerca dell’assoluto. La loro comune visione della musica, l’approccio dell’animo umano, il bisogno di universalità e spiritualità, li porta ad ispirarsi alla musica sacra per sviluppare il proprio linguaggio. Tutti questi elementi comuni li hanno spinti a formare questo duo che già delinea un territorio di universalità.

Ernst Reijseger è un violoncellista e compositore inclassificabile. Si trova al crocevia tra musica contemporanea, free jazz, avanguardia e musica improvvisata. Molto presente sulla scena jazz newyorkese ed europea da 30 anni, ha al suo attivo più di 50 album, centinaia di collaborazioni con tra gli altri John Zorn, Louis Sclavis, Jim Black, Michael Moore e Mark Feldman. Ernst Reijseger è noto anche per aver composto la musica per 8 film del regista Werner Herzog. Reijseger è stato partner creativo di poeti, ballerini, attori, pittori, scultori, fotografi e registi. Ha realizzato colonne sonore per film e numerosi documentari. Nel 2017, ha scritto ed eseguito la sua musica per l’Amleto di Shakespeare (con Oscar Isaac, Keegan Michael Key e Gayle Rankin, diretto da Sam Gold) al Public Theatre di New York. Per più di un decennio, Reijseger è stato associato al trio Reijseger/Fraanje/Sylla. I suoi concerti da solista consistono in sue composizioni personali e improvvisazioni.

Mario Forte è un violinista e compositore franco-italiano, diplomato al Conservatorio di Parigi, che dopo diversi anni di attività concertistica, direzionale e didattica in Europa, si è affermato sulla scena newyorkese nel 2016. Primo premio al Concorso Internazionale di Violino Zbigniew Seifert , Mario Forte ha al suo attivo sia una formazione accademica classica che numerose collaborazioni in mondi musicali molto diversi. Potremmo vederlo accanto a Jose-Luis Monton del Flamenco andaluso, con gli Gnaoua del Marocco, ma anche con Richard Bona, Mark Feldman, Sergio Krakowski, Matt Hollenberg, John Zorn e gli improvvisatori della scena newyorkese.

Ernst Reijseger: violoncello
Mario Forte: violino, viola d’amore

Ingresso ANAIS DRAGO + DUO ERNST REIJSEGER e MARIO FORTE € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Da una profonda passione per il piano trio Cristiano Calcagnile, dopo la lunga esperienza con il trio CHANT, con il quale ha pubblicato 2 dischi (CHANT – Caligola Records 2001 e “Ma io ch’in questa lingua” – AUAND 2010), definisce un nuovo percorso espressivo legato al rapporto tra scrittura e improvvisazione. ANOKHI riprende così il cammino con Giorgio Pacorig al pianoforte e Gabriele Evangelista al contrabbasso, proiettando lo sguardo su un “nuovo” e personale senso della forma e del linguaggio.

Cristiano Calcagnile: batteria, percussioni, composizioni
Giorgio Pacorig: pianoforte
Gabriele Evangelista: contrabbasso

Ingresso ANOKHI3 + ME’TA QUARTET RELOADED € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Un incontro storico riattualizzato appositamente dal Centro di Produzione Insulae Lab dopo venti anni di assenza dalle scene nazionali e internazionali e un omaggio ai cinquant’anni di carriera del pianista e fisarmonicista Antonello Salis, uno degli artisti più influenti della scena jazzistica internazionale con il contributo di amici scelti che hanno condiviso il suo percorso degli ultimi decenni. Il Meta Quartet è un progetto condiviso che
si avvale di due musicisti di origini sarde come Riccardo Lai e Sandro Satta, compagni di musica e di vita, e del batterista Fabrizio Sferra, uno dei più creativi artisti italiani.

Antonello Salis: pianoforte e fisarmonica
Sandro Satta: sax alto
Riccardo Lay: contrabbasso e voce
Fabrizio Sferra: batteria

Ingresso ANOKHI3 + ME’TA QUARTET RELOADED € 12,00 – ridotto soci Arci, Under 25, soci Exwide € 10
Abbonamento FLUX – € 38 – ridotto studenti, under 25, soci Exwide € 35

Produzione originale Insulae Lab – Centro di Produzione Musica

Ogni artista, nel corso della propria vita, incontra alcune opere di altri artisti che lo emozionano profondamente e spesso lo guidano, stimolandone l’ispirazione o suggerendo una direzione artistica. Esiste dunque un sottile legame emotivo che connette artisti e musicisti di ogni genere e di ogni epoca, che costituisce uno dei motori all’origine del mutare dell’arte.

L’ambizione di Cristina e Saverio con “Spiriti Guida” è quella di mettere in luce questa linea invisibile portando in scena uno spettacolo ricco ed eterogeneo, che accosta al repertorio di Cristina Donà l’opera di quegli artisti (gli spiriti guida appunto) che hanno nutrito la loro anima e contagiato il loro cammino. Lo spettacolo delinea un percorso evocativo dove le canzoni della Donà, scritte sovente a quattro mani con Lanza, lasciano affiorare i brani dei loro artisti di riferimento, dai primi ascolti giovanili fino a oggi, in una rilettura che attinge da Battisti ai Bee Gees al compositore Claudio Monteverdi, dai Beatles a Sinead O’Connor, passando per De Gregori, Bjork, Bowie e molti altri. Mondi diversissimi che, intrecciati al filo rosso delle canzoni di Cristina Donà e Saverio Lanza, danno vita ad uno spettacolo vivace, curioso, e allo stesso tempo poetico e profondo.

Ingresso € 10 + d.p.

In occasione del Fibonacci Day del 23 novembre, la giornata internazionale dedicata al matematico pisano che per primo introdusse in Occidente i numeri arabi e lo zero, si inaugura all’Archivio di Stato di Pisa la mostra a ingresso gratuito “Pisa e il mondo Arabo” che resterà aperta sino al 23 gennaio 2024. All’esposizione è collegato un ciclo di iniziative che coinvolgono Museo Nazionale di San Matteo, l’Università di Pisa e Palazzo Blu.

Il 23 novembre alle 21, all’Archivio di Stato di Pisa, si tiene il concerto “La musica del mondo arabo“. Il concerto, a cura di Toscana Produzione Musica, sarà introdotto dallo storico della musica Francesco Martinelli.

Eseguono:
Ziad Trabelsi, oud Simone Pulvano, percussioni

Ingresso libero (massimo 80 persone).

Il concerto è l’evento inaugurale della mostra “Pisa e il mondo arabo”, che si tiene a  Palazzo Toscanelli e al Museo Nazionale di S. Matteo, dal 24 novembre 2023 al 23 gennaio 2024.